American West Art Class prohíbe el diseño de estilo anime

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Lo primero: este artículo se centrará principalmente en los puntos de vista académicos del estilo gráfico de anime. Esto incluye desde la escuela intermedia hasta la escuela de posgrado en los Estados Unidos. No nos centraremos en cursos extracurriculares aquí.

¿Que es arte? Incluso entre los expertos, esta definición puede causar argumentos difíciles, pero tratemos de mantenerlo simple: el arte es cualquier actividad humana que crea objetos (tangibles e intangibles) que expresan las habilidades del autor y pueden ser apreciados por otros. En Japón, por supuesto, no es una excepción. Sus ricas historias en arquitectura, escultura, pintura, música, danza, performance y literatura respaldan su posición como un país único con raíces culturales ancestrales. Japón todavía aprecia y conserva algunas de las obras de arte más antiguas. Después de pasar por pequeñas artes (también conocidas como artesanías), finalmente llegamos al reino del manga y la animación, que afirman haberse originado a partir de dibujos de animales en los templos budistas, así como grabados de la vida cotidiana de Hokusai y otros artistas. Especialmente en el caso de Hokusai, es interesante ver cómo sus humanos realizan diversas actividades espontáneas (como bailar) en varios pasos, dando a las personas una sensación de movimiento. Por tanto, se le puede considerar un pionero en su animación nacional. Con esto en mente, echemos un vistazo a cómo los cursos de arte estadounidenses ven los estilos de arte de anime.

La animación y su relación con Occidente

Sarusuberi Hokusai Miss Captura

Después de la Segunda Guerra Mundial, las obras de arte japonesas han experimentado cambios tremendos, cuando el anime comenzó a adoptar estilos occidentales. Un buen ejemplo es la animación basada en las obras de Osamu Tezuka, el dios del manga. Abramos (o veamos) una de sus obras más famosas: Kimba, The White Lion (Jungle Taitei), que se publicó por primera vez en 1950. Tezuka no solo adoptó la estética de Disney, sino que también adoptó el gusto de las escenas de inserción cómicas con animales inocentes. Décadas más tarde, «El Rey León» de Disney causó controversia, aunque la versión oficial afirmaba que las similitudes entre las dos historias eran una coincidencia. Tezuka también se inspiró en Betty Boop y creó sus personajes femeninos expresivos y de suaves curvas.

De todos modos, otro buen ejemplo es Sazae-san de Machiko Hasegawa, que ha sido una serie de anime en curso desde 1969. Aunque la imagen de Sazae no coincide con lo que llamamos «lindo look anime», el formato de cómic (similar a los clásicos estadounidenses como la familia Bungle) y la historia de una mujer independiente moderna nos dan una idea de la cultura progresista que tiene el potencial de atraer a la gente. Combinación de mercado occidental. Por lo tanto, Japón finalmente recuperó su economía con la ayuda del poder blando, pero el subproducto fue el estilo adoptado por Tezuka, que hoy asociamos con el anime: esos grandes y brillantes ojos de ensueño. Si dibuja un personaje con ojos más grandes, será más fácil leer sus características emocionales y de personalidad. Además, le damos al personaje un aspecto más lindo. ¿Qué persona sin alma no se sentirá atraída por la ternura? Por lo tanto, los ojos de anime se han convertido en las marcas comerciales amistosas de renombre mundial de Japón.

En la década de 1960, el trabajo de Tezuka se transmitió por primera vez en la televisión pública estadounidense, seguido de otros trabajos. La edición frecuente y las adaptaciones de los diálogos tienen como objetivo evitar referencias culturales que el público no pueda entender. Teniendo en cuenta que se elige a toda la familia o la serie llena de comedia, en lugar del dilema o serie filosófica, porque los dibujos animados se consideran solo aptos para niños. Esto limita las opciones de animación del público estadounidense común.

Los conservadores políticos y religiosos también tienen una visión negativa de la animación, especialmente desde la década de 1980, cuando aparecieron animaciones que se consideraban tan violentas como Dragon Ball. ¿Pero queremos saber exactamente con qué están de acuerdo estas personas? Sin embargo, los fanáticos del anime continuaron creciendo.En las décadas de 1980 y 1990, más tipos de anime comenzaron a ocupar lentamente el mercado, por lo que Disney Pixar lanzó oficialmente varias películas de Studio Ghibli. ¿Deberíamos mencionar también que Hayao Miyazaki ganó un Oscar por «El viaje de Chihiro»? Entonces, ¿cuál es la tendencia actual de hacer dibujos animados para adultos estadounidenses, como «Los Simpson» o «House of Guts»? Podemos ver que Estados Unidos está reconociendo la influencia de Japón en su cultura a través de estas señales.

Clases de arte y cultura pop

Astro Boy OP

Por lo tanto, en este contexto, finalmente llegamos a la oposición de la clase de arte occidental al estilo anime. De inmediato, podemos argumentar que el público ya tiene prejuicios en su contra, pero revisemos el plan de estudios de la clase de arte, ¿de acuerdo? Consta de cuatro unidades principales:

Producción artística: implica la definición, clasificación del arte y las habilidades para crear obras artísticas.
Historia del arte: el estudio de los grandes artistas y sus antecedentes históricos.
Crítica de arte: percepción, apreciación, interpretación y valoración de obras de arte.
Estética: el estudio de la belleza y su papel en el arte.

Aunque algunas escuelas optan por abrir la definición de arte y apoyar la libertad creativa de los artistas, las instituciones son otro asunto. Consideremos que la mayoría de ellos dependen de patrocinadores políticos y económicos conservadores. Su capacidad para aceptar el cambio es lenta. Hay que tener en cuenta que el arte occidental está profundamente arraigado en el estilo grecorromano, y no fue hasta principios del siglo XX cuando apareció en Europa el impresionismo que empezó a deconstruirse. Recordemos que la clase de dibujo comienza con el uso correcto de herramientas básicas como el lápiz y el carbón, y luego a partir de la reproducción de objetos reales, anatomía … En definitiva, el arte comienza con lo básico. Por lo tanto, si los profesores de arte ven marcas comerciales de animación (esos grandes ojos brillantes) en lugar de imágenes de animales o personas reales, se avergonzarán.

Desafortunadamente, para la educación artística posterior, también tenemos que admitir que el estilo de animación convencional es inútil, porque le da a la gente una falta de originalidad. Debido a los presupuestos, los plazos y las reglas impuestas por los estudios, los productores y el personal, la animación convencional tiene limitaciones. También hay una tendencia a repetir la fórmula del éxito en el departamento de historia y estilo, razón por la cual los ojos grandes nacen con el anime. No olvidemos que la animación convencional existe principalmente por razones comerciales.

Así es como llegamos al hecho cruel: en Occidente, la mayoría de la gente todavía considera la animación como un pasatiempo de nicho. Es difícil convencer a alguien (especialmente a un profesor de arte que admira a Rembrandt y a otros) de que el anime es genial y puede ser considerado como la mejor obra de arte. Es difícil para los museos o galerías de arte obtener el reconocimiento de los mecenas adinerados que dependen de obras de arte de mayor aceptación. Además de esto, si lo primero que surge de una búsqueda en Google es una imagen de ecchi o un protagonista Super Deformed en Lucky Star, es difícil pensar en el anime como arte. Recordemos que existen algunas reglas que pueden convertirse en obras de arte plenamente reconocidas, y también se pueden aplicar a la animación, inspirándose en la pintura, la literatura y el cine. La trama y el estilo deben ser coherentes (y lógicos). ¿Cómo es la originalidad? ¿nervioso? ¿Ritmo? Además, las verdaderas obras de arte trascienden el tiempo y el lugar. Por lo tanto, podemos ver que la mayoría de las animaciones convencionales nunca se pueden comparar con obras como Ghost in the Shell o Ergo Proxy en esta situación … La mayoría de los profesores que aman a Rembrandt tampoco lo saben.

Por otro lado, las obras de arte que alguna vez fueron consideradas de baja calidad o anti-arte por naturaleza han ganado reconocimiento con el tiempo. Por ejemplo, el arte pop nació en el Reino Unido a mediados de la década de 1950, pero debido a su estrecha relación con la publicidad y otras formas de arte pequeño, fue ampliamente adoptado en los Estados Unidos en la década de 1960. Del mismo modo, el artista de renombre mundial Takashi Murakami ha creado coloridos personajes de dibujos animados, esculturas de tamaño natural inspiradas en dibujos animados, etc. Sus obras han sido expuestas en galerías y museos de Estados Unidos, Gran Bretaña, Italia, Francia y Alemania. Así que mantengamos una actitud positiva. Al menos la animación no es tan lenta como el grafiti, el grafiti existe desde la primera gran civilización, y todavía está muy lejos de ser plenamente reconocido como obra de arte.

Algunas soluciones al problema

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Fue Murakami quien nos dio la pista para hacer girar lentamente la máquina. En primer lugar, los otaku educados son los mejores otaku. Si vemos la animación fuera de la corriente principal y aprendemos a evaluar objetivamente sus características artísticas, podemos persuadir más fácilmente a otros para que le den una oportunidad. También debemos recordar que si realmente nos gusta pintar, o incluso considerarlo como una carrera futura, debemos aprender la mayor cantidad de tecnología y estilo posible. Los artistas profesionales son versátiles o crean su propio estilo único como Haruki Murakami. Entonces, pensemos en ello, tal vez muchos maestros no se oponen completamente al estilo anime, sino que intentan transmitir las habilidades básicas para crear arte. Especialmente en el campo de las carreras competitivas, es difícil para las personas que no aprenden los conceptos básicos tener éxito.

Otro punto a considerar es el objetivo de un curso de arte en particular. Si intentamos poner anime en todo solo por eso, y no seguimos las reglas de la misión, solo crearemos más resistencia. Entonces, en lugar de entregar fotos de las figuras de anime, ¿qué tal una reunión de estudio de cosplay bien planificada? A veces, todo depende del objetivo de una tarea en particular. Por lo tanto, si nosotros y el maestro escuchamos y hacemos sugerencias primero, tal vez ambas partes puedan llegar a un punto medio cómodo. Además, el profesor puede aprender una o dos cosas. Después de todo, el arte es un viaje de descubrimiento.

También puede haber casos en los que el profesor no cambie. Querido otaku, no te desesperes. Existe evidencia de que la autoeducación en cultura visual y habilidades artísticas es beneficiosa para adolescentes y jóvenes, especialmente en el contexto de la educación colectiva. También hay evidencia de que el arte generado por computadora (hecho con software como Photoshop) y el modelado 3D es una terapia de arte efectiva. ¿Qué es mejor que dibujar anime para aliviar el estrés? Entonces, si a tu profesor de arte realmente no le gusta el estilo anime, ¿qué tal formar un grupo de arte anime? 🙂 Además, si realmente quieres aprender estilo anime en Estados Unidos, hay algunas opciones. Algunas instituciones educativas excelentes ofrecen cursos de teoría y tecnología de la animación, como Harvard y la Universidad Carnegie Mellon.

Un poco más de información Kawaii

En general, lo que queremos decir es: si tu profesor prohíbe la animación en la clase de arte, no te desanimes. Solo quiero envejecer, educarte a ti mismo, educar a los demás, no te rindas, sigue practicando. Después de años de arduo trabajo continuo, los verdaderos profesionales se convertirán en grandes.

¿Alguna vez ha experimentado la prohibición de la animación en la clase de arte? ¿Crees que el estilo del anime es más oriental u occidental? No olvide que estamos abiertos a todas sus preguntas y comentarios. ¡adiós!